本展では、Nadia Olefir が、内的なリズムによって形づくられ、光の存在によって定義されるセラミック作品を発表する。詩的な実践に根ざし、その制作は反復とリズムの中で展開され、粘土は環境の変化に応じて応答し、吸収し、変化していく。
展示は鉄道高架下の空間で行われる。行き交う列車が持続するリズムを生み出し、移ろう光が作品と呼応する。
本作は、黄金町（2024年）のプロジェクト「Garden of People」から発展したものであり、経験がどのように素材を通して保持され、再形成されるのかを探求している。
来場者は二次元の断片から光の彫刻を構成するよう促される。
手の中でかたちが変化していくにつれ、内側にも何らかの変化が生じはじめる。
本展にはさらに、渋谷のウクライナ図書館ひまわりで行われたワークショップにおいて、東京在住のウクライナの子どもたちによって制作された光の彫刻も含まれる。
翻訳 相場妙
In this exhibition, Nadia Olefir presents ceramic sculptures shaped through an internal sense of rhythm and defined by the presence of light. Rooted in a poetic practice, her work unfolds through cadence and repetition, where clay responds, absorbs, and transforms under changing conditions.
The exhibition takes place in a space beneath an active railway, where passing trains create a continuous rhythm and shifting sources of light enter into dialogue with the sculptures.
Developing from her earlier project Garden of People (Koganecho, 2024), this body of work continues an exploration of how experience can be held and reshaped through material.
Visitors are invited to compose a light sculpture from two-dimensional fragments. As the form changes in the hands, something within may begin to shift.
The exhibition also includes light sculptures created by Ukrainian children living in Tokyo during a workshop led by the artist at the Himawari Ukrainian Library in Shibuya.
Poetry translated by: Tae Aiba
●開催概要 Outline
日程｜5月21日(木)～5月24日(日)
時間｜11:00~19:00
場所｜高架下スタジオSite-Aギャラリー
入場料｜無料
Date | May 21(Thu)～ May 24(Sun)
Hours | 11:00~19:00
Venue | Site-A Gallery Beneath the Railways
Free entry
●アーティスト Artist
ナディア・オレフィル（ウクライナ生まれ）は、日本を拠点に活動するアーティスト。
ハルキウ国立デザイン芸術アカデミー（1999–2004）にてグラフィックデザインを学ぶ。商業デザインの分野でキャリアを開始する一方で、絵画の実践を並行して展開し、2022年より彫刻的実践へと移行した。この転換は、ロシアによるウクライナへの全面的侵攻以降の深刻な状況の中で生じたものであり、セラミックは高まる感情を受容し変容させる主要な媒体として位置づけられている。
彼女の実践は詩に根ざし、リズムを主要な構造原理としている。この感覚は陶による彫刻作品にも反映され、詩的プロセスを図像的に表象するのではなく、その生成過程として形態を規定するものである。言語は直接的には現れないが、リズムや内的な律動が素材としての土において具現化される。
オレフィルのセラミック作品は、しばしば光を内包する器的構造として現れ、エッジの切断および丸み付け、変形といった操作を通じて形成される。これらの作品は、物理的形態と感情的状態との対応関係を示し、素材の変容を個人的経験の文脈に位置づけるものである。
主な展示に、SICF（Spiral Independent Creators Festival）（Spiral、東京、2025年）、Koganecho Bazaar 2024「The Garden of People」（個人プロジェクト、THE ROOM、エレナ・アフラモワとの協働、横浜）、Space Between（SAAS Gallery、ロンドン、2021年）、Happiness（Laura Gallery、ロンドン、2018年）、Unreal Reality（Ginza Hall Gallery、東京、2013年）などがある。
Nadia Olefir (b. Ukraine) is an artist based in Japan.
Trained in graphic design at the Kharkiv State Academy of Design and Arts, Ukraine (1999–2004), Olefir began her career in commercial design while concurrently developing her practice as a painter, before transitioning to a sculptural practice in 2022. This shift occurred during a period of profound disruption following the full-scale Russian invasion of Ukraine, when ceramics emerged as a primary medium capable of absorbing and transforming heightened emotional states.
Rooted in poetry, her practice is guided by rhythm as a primary principle. This informs her ceramic sculptures, which are shaped through a poetic process rather than illustrating it, allowing rhythm and internal cadence to take material form in clay.
Olefir’s ceramic sculptures, which frequently incorporate light, function as vessel-like structures shaped through the cutting, rounding of edges, and deformation. These works articulate a correspondence between physical form and affective states, situating material transformation in relation to lived experience.Selected exhibitions include SICF (Spiral Independent Creators Festival), Spiral, Tokyo, Japan (2025); Koganecho Bazaar 2024, The Garden of People (independent project at THE ROOM, in collaboration with Elena Aframova), Yokohama, Japan; Space Between, SAAS Gallery, London, UK (2021); Happiness, Laura Gallery, London, UK (2018); and Unreal Reality, Gallery at Ginza Hall, Tokyo, Japan (2013).
●キュレーター Curator
レナ・アフラモワは、黄金町を拠点に活動するウクライナ系イスラエル人のアーティスト／キュレーターであり、長期滞在アーティストとして活動を続けています。日本で20年にわたり暮らしながら、写真、テキスト、空間インスタレーションにまたがる複合的な実践を展開してきました。
彼女はハイファ大学で教育カウンセリングの修士号を取得し、ニューヨーク・フィルム・アカデミーを通じて東映京都撮影所の映画制作プログラムを修了しました。彼女の写真作品は、The New York Times、BBC News、Newsweek などで紹介されています。また、アート、教育、社会的実践をつなぐ協働プロジェクトにも取り組んできました。
彼女の作品は、身体と空間の関係を探求し、とりわけ感情、記憶、アイデンティティが、生きられた環境のなかでどのように形づくられるのかに注目しています。彼女の実践の中心にあるのが、川沿いに位置するスタジオ兼ギャラリー THE ROOM であり、そこは創作の場であると同時に、キュレーションの実験や協働のための空間としても機能しています。
Lena Aframova is a Ukrainian-Israeli artist and curator based in Koganecho, where she has worked as a long-term resident artist. Having lived in Japan for the past 20 years, she has developed a multidisciplinary practice spanning photography, writing, and spatial installation.
She holds an MA in Educational Counseling from Haifa University and completed a filmmaking program at TOEI Kyoto Studio through the New York Film Academy. Her photography has been featured in The New York Times, BBC News, and Newsweek. Her projects include collaborations that connect art, education, and social engagement.
Her work explores the relationship between body and space, with particular attention to how emotion, memory, and identity are shaped through lived environments. Central to her practice is THE ROOM, her studio and gallery by the river, which functions both as a site of artistic production and as a space for curatorial experimentation and collaboration.
●会場 Venue
